Categorie archief: Kunstenaars

Julija Levkova

Julija Levkova is geboren te Riga, Letland op 22 april 1981.

Nu woont en werkt zij tussen Nederland en België.

Vanaf de jeugd  is Julija  geintreseerd in schilderijen uit de gouden  tijd in Nederland met schilders als Rembrandt, Van Huysum en Rubens. Ze heeft veel tijd doorgebracht in musea over de hele wereld en in de thuisbibliotheek vol boeken over geschiedenis en kunst. Geintresseerd in fotografie en technische aspecten die zij studeerde in Antwerpen en Breda (Academie voor Schone Kunsten en School van Fotografie). Haar werk is over de hele wereld aangenomen, waaronder grote steden zoals Londen, Venetië, New York.

Haar laatste werken integreren meerdere beelden in een visuele overvloed aan hyper-natuurlijke schoonheid die haar foto’s een spanning geeft die niemand onaangetast laat, terwijl hij nog steeds innemend en toegankelijk is.

In dit onderwerp zegt Julija: “Ik ben geïnspireerd op de grote thema’s in het leven, eenzaamheid, kwetsbaarheid, de ruwe pure emoties in het dagelijks leven. Ik wil gewoon dingen samenzetten om te herbouwen, om te ontdekken hoe ik de wereld zie. ‘

Eyal Radwinowitz (English)

The Energetic Color Shower by Eyal  Radwinowitz         

                                       eyal-radwinowitz

I welcome people to visually shower in my art and feel energized and rejuvenated

Eyal Radwinowitz, Israeli artist from Tel Aviv, will exhibit for the first time in The Netherlands his abstract work on “ERO circles” and “Contemporary Futurism”. The selection from several series of the artist are all energy driven by either a vibrant use of color or elevated sense of motion. “Just as everyone showers in water to feel refreshed, I welcome people to visually shower in my art and feel energized and rejuvenated“, states Radwinowitz.

The focus on energy is at the heart of Radwinowitz’s artistic research. With stirred imagination, he created the “ERO Circles” series, which comes to express energy and feelings through the archetypical characteristics of colors, and the “Contemporary Futurism” series, which comes to depict energy of motion and speed in today’s ultra-technological, informational world. The selection of his unique abstract paintings is exhibit at “Gallery Alafran” in Diepenheim opens on Sunday October 30, 2016 at 3 PM and the exhibition lasts until ………………

 About the Artist:

Born in 1979, Eyal Radwinowitz grew up in Tel Aviv and Miami, and is currently based in Tel Aviv. With a unique style characterized by live use of color and elevated sense of motion, Radwinowitz’s artwork has been internationally exhibited, including in Miami, Hong Kong, Singapore, Tel Aviv, and now the Netherlands.

Radwinowitz always routed his life towards artistic creativeness. He initially began as a figurative artist and was largely inspired by master painters like of Botticelli, Dali and Picasso for their adventurous approach to painting, and simultaneously, their harmonious use of color. With time, Radwinowitz became increasingly captivated by abstract art and its boundless freedom, and through the abstract has made his mark.

Radwinowitz has always seen himself as an observer as well as a player in this world: “Human reality and behavior intrigues me – how we feel, how we act, and we react. The driving force to it all is energy – The energy that we receive from the world and the one we generate. As energy is unseen, yet very much sensed, the only way I can depict it is through the abstract. My only tools being the colors and the motion. I recall a visit to the Museum of Modern Art in New York, where a large scale Jackson Pollock painting caught my eyes. That day certainly triggered my evolution from a figurative painter to an abstract one. I was amazed at how a painting which in reality depicts nothing, is in truth so breathtaking and intense in the feeling it arouses. This intensity has stirred my imagination and led me to develop my “ERO Circles” series, which comes to express energy and feelings through the archetypical characteristics of colors, and the “Contemporary Futurism” series, which comes to depict energy of motion and speed in today’s ultra-technological, informational world”.

About the Paintings

The “ERO Circles” Series

Using a composition of multiple small circles allows Radwinowitz to create a display which is, both, colorful and harmonious. The paintings are composed of an intense mix of colors and shades, each with a unique energetic significance that together define the energy of the subject painted. Just as energy and the feelings it arouses are unique, so is the mix of colors in each painting.

The series is influenced by the Archetypes Theory of the Swiss psychologist, Carl Jung. According to Jung, archetypes are characters, symbols, and reoccurring states that exist both universally and instinctively in the collective subconscious of all mankind. A proof that all human beings share these archetypes is the similarity that exists between the mythological stories of different cultures. Among the archetypes classified, Jung has also defined colors. For example: White can symbolize positive concepts such as light, purity, and virginity, but can also be associated to negative concepts such as death. Black symbolizes knowledge and wisdom, but also cruelty, death, mystery and sadness. Blue expresses calmness, truth, and security, but also melancholy. Red radiates passion but is also associated to violence. Green symbolizes life, re-birth, growth, hope, and fertility. Brown symbolizes Man’s connection to the earth.

The visual presentation is reminiscent of viewing cells through a microscope. In so, the artist creates a visual metaphor of a journey into the internal essence of the subject painted. The series is named after the artist’s nickname – ERO.

The “Contemporary Futurism” Series

Radwinowitz achieves a sense of motion by painting scenes with long strokes across straight lines – whether horizontal, vertical, diagonal, perpendicular or overlapping in a free and unexpected manner. It presents his perception of the rapid pace of life which characterizes modern times. Radwinowitz named the series “Contemporary Futurism” expressing a futuristic homage to the Italian Futurist movement of the early 20th century.

The Futurists glorified technology and automation: “External speed has enhanced our spiritual activity and so has changed our perception of time and space. As a result we have achieved a sense of continuity and simultaneousness of things and events, a simultaneousness of vision and sense.” By minimizing the scale of colors to a black and white monochrome it stresses the monotony, melancholy, and alienation of the modern social state. This in contrast to other paintings which are illuminated with a myriad of colors celebrating the “positive” side of the period expressed by mass social gatherings and festivals.

Radwinowitz expresses the accelerated pace of modern life and the alienated interpersonal relations as seen in our current existence: The cellular networks, London’s underground trains transporting millions, urban highways, reality shows, internet social networks, skyscrapers, ever growing and evolving channels of information… The individual serves as one small active particle in mass crowded movements and communicational outbursts, becoming an active part in a wide matrix of endless monotonous actions and endless flow of information.

 

Els Wiering

Els Wiering

Elk element voort uit de vorige en de overgang vormt naar het volgende. Door herhaling van één vorm steeds weer een ritme manifesteert, zoals het kweken van een plant uit vruchten bloeien.

Mijn beelden zijn pogingen om uitdrukking aan stemmingen, verenigingen en intuïtief begrip te geven. Ze zijn een zoektocht naar het punt op de schaal waar er net genoeg en niets is overbodig. De materialen en manieren van vervaardiging zijn middelen en doel tegelijk.

Mijn werk omringt rond kenmerken van de huidige transation periode tussen de industriële en digitale tijdperk en hoe u in contact te blijven met de essentie van dingen als tussen deze krachtvelden. Door het gebruik van materialen van hoge economische waarde, een combinatie van vakmanschap met ICT-technieken en door te schakelen tussen unica’s en limited editions speel ik met begrippen als massaproductie, efficiëntie en waarde.

Mijn recente sculpturen bestaan ​​uit stalen band en cement. Lichtgewicht constructies die rusten op een stevig fundament van cement, die verenigingen van vrijheid en ontsnappen aan de zwaartekracht oproept. Dit verwijst naar mijn dieper stimulans om de economische en digitale mechanismen van onze tijd onder de knie, om ze te integreren in een speelse en positieve manier in mijn werk en uiteindelijk, om ze te overwinnen.

Katharina Lichtenscheidt

Katharina Lichtenscheidt geboren in 1963 in Wuppertal.

1984-1989 studeerde schilderkunst aan de piramide , vrije kunstacademie in Düsseldorf . In 1996 werd ze bekroond met de kunstprijs Euregio Rijn – Maas -Noord . Het werd gevolgd door vele solo- en groepstentoonstellingen. Sinds 1996 is ze docent aan de particuliere school in Neuss . Ze werkt en woont in Neuss.

Haar werk kenmerkt zich door non-figuratieve werk van veelal landschappen met intense kleuren op linnen en papier.

 

Caroline Mars

Caroline Mars

Schilderen tussen Oost en West

Gedurende  bijna  15 jaar studeerde en werkte Caroline in Japan, Hong Kong en Singapore.

Haar werk laat een interessante combinatie van Oosterse en Westerse technieken zien en straalt vooral rust uit. Ze werkt met inkt en waterverf op rijstpapier, maar ook met acryl op doek.

Sinds de zomer van 2015 werkt ze vanuit Seoul.

Kunstopleiding:
Diploma Advanced Chinese Painting (Hong Kong)
Teachers Certificate Sogetsu School Tokyo (ikebana)
Afgestudeerd Kunstacademie Leiden (schilderen)

 

 

Mauricio Escobar

Mauricio Escobar

De in Colombia geboren kunstenaar woont al 20 jaar in Parijs maar verblijft ook regelmatig in Amsterdam waar hij ook zijn atelier heeft.

Zijn Colombiaanse afkomst verloochent hij niet, zijn roots zijn duidelijk herkenbaar in zijn werk.

Zo gebruikt hij o.a. was, bamboe, reepjes rijstpapier, plantaardige materialen, lagen van pigmenten en oxides.

Zijn sculptuurachtige werken hebben een grote verwantschap met de Arte Povera.

Het zijn veelal grillige, bochtige vormen met haast een spirituele energie.

Galerie Alafran toont werken van Mauricio met abstractie maar ook stadsgezichten (Amsterdam, Het IJ) of de krab het grote drieluik bij entree.

Sietse Goverts

Sietse Goverts Opleiding: Academie voor beeldende kunst Utrecht

Academie beeldende vorming Amersfoort 

De schilderijen van Sietse Goverts zijn als spiegels, ze geven je terug wat er zich in je afspeelt. Nieuwe werelden worden geopend.

Typerend aan zijn werk is het kleurgebruik, de textuur en het licht als een lokroep naar andere dimensies. De olieverf geeft ‘body’ aan het pigment en versterkt de uitstraling.

De inspiratie voor zijn creaties is ontstaan door zijn vele reizen, trackings en contemplaties. Om elke ‘hoek’ wacht er weer een verrassing. Intrigerend zijn de overgangen tussen vorm en geen vorm met de ‘huid’ als grens. De beweging die dat oproept geeft de dynamiek van zijn werk weer.

Hij schildert spanning en beweging met de stilte daarachter. Het werk is niet van woorden, teugels van het logisch denken worden losgelaten.

Sietse Goverts valt het best te omschrijven als iemand die zich laat leiden door gewichtsloosheid zonder dat iemand dat ziet. Speels en vrij.

Goverts werkt in olieverf met een rijke uitstraling als gevolg en schildert zijn doeken zowel in Nederland als in zijn atelier in Frankrijk. Hij exposeert sinds 1977 internationaal.

Exposeert sinds 1976 in Nederland, België, Duitsland en Frankrijk.

Madelon Gouman

Madelon Gouman, 1953 Amsterdam

Gerrit Rietveld academie en Rijksacademie van beeldende kunsten.

In de loop der jaren heeft Madelon Gouman veel studiereizen gemaakt.

Naar o.a. Afrika, Azië, het Midden Oosten en de Noordpool.

Met kleur, pigment en materialen toont zij de erosie door water, zon en zand – soms
ruw, dan weer glad en zacht. Haar werk is typerend als aards en organisch. De
kleuren zijn intens rood en oranje, verlopend naar aardetinten. In de vormen
zien we figuratieve sporen – stille getuigen van voorbije gebeurtenissen. Haar
schilderijen hebben een letterlijke gelaagdheid die een verbinding vormt tussen
heden en verleden.        Haar schilderijen tonen landschappen; weidse vlaktes, rotsen, gletsjers en de smeltende ijskap. Zij gebruikt pure pigmenten en andere materialen ; soms is de verfhuid ruw, dan weer zacht en poederachtig.

In de recente serie „ Global  warming „ laat zij het effect zien van de opwarming van de aarde op de aardkorst

Toos van Holstein

Toos van Holstein, 1949 te Eindhoven

Academie voor beeldende vorming te Tilburg

Als onafhankelijk denkend kunstenaar heeft Toos van Holstein al haar hele kunstenaarsleven lang, tegen de modetrends in, gekozen voor haar eigen weg. De weg van haar “figuurlijke kunst”, zoals ze die noemt. Met haar rijke fantasie en zeer persoonlijke kleurgebruik schept zij een volstrekt eigen wereld op haar olieverfschilderijen, gebaseerd op herkenbare elementen. Maar wel een wereld met vele lagen, zowel letterlijk als figuurlijk, waarin ook vaak de invloed van de vele culturen op aarde te bespeuren is.

Daarnaast is Toos van Holstein ook bekend vanwege haar steendrukken, aquarellen, beelden in brons, aluminium en kunststof en haar digitale werken op alu-dibond.

Ze exposeerde bij galerieën, musea en andere kunstcentra in Nederland, België, Frankrijk, Engeland, Italië, China en de USA.

Ewa Maziarz

In de oudheid werd met “genius loci” de beschermende geest in een bepaald gebied bedoeld, maar tegenwoordig gebruikt men het vooral om de eigenheid van een locatie te benadrukken. Deze plaats (of een gebouw) heeft duidelijk een eigen karakter.

Tijdens deze expositie worden drie series schilderijen tentoongesteld: “Ruïne”, “Metalchem” en “Interieurs”. De uitgangspunten voor deze werken zijn vervallen gebouwen, huizen, fabrieksgebouwen. Ze hebben geen monumentale of historische waarde. Ze zijn vervallen, geruïneerd en ze passen niet bij het stedelijke landschap.

In de Poolse stad Opole heb ik veel verlaten industriële panden gevonden. Hun interieurs dienen soms als tijdelijke woonruimtes voor daklozen.

De sombere schoonheid van de vernielde gebouwen heeft op mij een enorme aantrekkingskracht.

De “Metalchem” serie is geïnspireerd op een monumentaal fabrieksgebouw in Opole. Dit enorm grote gebouw is meer dan 20 jaar geleden gebouwd om een metallurgisch productiecentrum te worden, maar het is nooit afgemaakt en is nu verlaten. Dit Metalchem gebouw staat in het midden van een woonwijk, die toen gebouwd werd voor de toekomstige arbeiders van de fabriek. In deze serie wil ik het gevoel van vervreemding en de sombere schoonheid van het industriële landschap laten zien.

De geest van bewoonbaarheid en desolatie heerst in de “Interieurs” serie. Sommige schilderijen zijn mijn impressies van tijdelijke woonruimtes van Poolse gastarbeiders in Nederland.

Het tijdsverloop is er zichtbaar in de vergrijsde kleuren, de vernielde architectuur en de meubelen. De mens is de grote afwezige in deze schilderijen maar toch is zijn vluchtige presentie voelbaar.

De leegte, het gevoel van isolatie, de melancholie, de prachtige kleuren en structuren van deze vergeten plaatsen, waar de geest rondwaart, zijn de belangrijkste kenmerken voor de “Ruïne”, “Metalchem”en “Interieur” serie

Brech sieraden

Brech sieraden wordt gevormd door Brechje Vermaat (1979) en Maarten Versteeg (1980).

Beiden studeerden Industrieel Ontwerpen aan de TU Delft en volgden daarnaast de opleiding tot goudsmid. In hun werk combineren zij ambachtelijk vakmanschap met technisch inzicht. ‘Brech is voor ons een laboratorium. Als Industrieel Ontwerper hebben we geleerd ontwerpen te zien als probleemoplossen binnen een strak afgebakend kader. Als je dezelfde benadering en moderne (productie)technieken toepast op een relatief ongedefinieerd product als sieraden, ontdek je nieuwe mogelijkheden’.

Brech sieraden zijn permanent te bezichtigen bij Galerie Alafran

Jan Kees Lantermans

In mijn optiek gaat beeldhouwen in steen over het ontkennen van de originele vorm door deze maximaal te transformeren. Het massieve en rigide karakter van ‘een kei’ moet door mij getransformeerd worden tot een lichte en plastische vorm. Om ‘de kei’ nog verder te ontkennen vind ik het belangrijk om de sculptuur een gevoel van beweging te geven; ogenschijnlijk gebogen door de tijd.

Alleen de natuur is in staat steen vloeibaar te maken.

Voor mij is beeldhouwen de natuur provoceren.

Zowel kunst als architectuur geven me aanwijzingen voor essentiële composities. Door deze twee disciplines te bestuderen en vrijelijk te combineren, ontstaan er nieuwe sculpturen in mijn hoofd. Deze beelden van sculpturen, vertaal ik direct in steen, soms voorafgegaan door een snelle schets.

Typische eigenschappen van de sculpturen zijn hun monumentaliteit, hun ritme en de afwezigheid van een zogenoemde onder- of achterkant. Dit geeft mij als beeldhouwer en de eventuele eigenaar voortdurend invloed op hoe de sculptuur (her)gepositioneerd wordt.

De sculpturen worden gerealiseerd in hardere steensoorten zoals Belgisch hardsteen, marmer en graniet. Dit maakt ze geschikt voor plaatsing in de open lucht.

 

Karin Bablok

Geboren in Donauworth. 1964

Karin Bablok volgde verschillende opleidingen, o.a. aan het Instituut voor Kunst-keramiek in Hohr-Grenzhausen. De aanmoedigingsprijs van de stad Offenburg werd gevolgd door diverse andere prijzen. Vorig jaar ontving zij de Auguste Papendieckprijs van de Sparkasse te Bremen.Telkens werd daarbij de relatie van haar eigentijdse werk met de traditionele vormen geroemd. Zij wordt gerekend tot de groep Duitse kunstenaars die in de tweede helft van de vorige eeuw porselein zijn gaan toepassen als autonome kunst. Sinds 1996 heeft Bablok haar eigen atelier in Bremen. Hier probeert zij optimaal gebruik te maken van de mogelijkheden van dit materiaal. De hardheid bij de scherpe randen, de transparantie van haar gedraaide objecten en de specifieke glans van het ongeglazuurde materiaal boeien en inspireren haar telkens weer.
Wanneer de gedraaide cilindervorm leerhard is, vervormt Bablok die al kloppend tot asymmetrische, hoekige en kubusachtige vormen. Opvallend is de eenvoudige variatie in vormen die architecturaal aandoen, in combinatie met de zwart-witte contrasten op de binnen- en buitenwanden. De hoge vaasvormen tonen haar kennis van techniek en materiaal. Bij de decoratie laat zij zich inspireren door de Amerikaanse schilder Franz Kline. Meestal lijkt de decoratie geen onderwerp te hebben. Zij tekent heel geconcentreerd zwarte lijnen en vlakken die wel wat op een etstekening lijken. Soms blijkt bij toeval achteraf dat diverse werkstukken in vormgeving goed bij elkaar passen, een “familie” vormen. Vaak past zij na zo’n ontdekking een gelijksoortige decoratie op meerdere werken toe. Dit laatste is ook het geval bij “Köln I en II”. Hier lopen de strakke hoekige zwarte lijnen van de binnenkant door op de buitenkant, waardoor een eenheid ontstaat tussen interieur en exterieur.

Melchior

Melchior schildert mens- en dierthema’s, waarbij een samensmelting van abstractie en figuratie zijn uitganspunt is.

Soms overheerst de figuratie, in een ander werk de abstractie.

Het eindresultaat geeft een sterke meerwaarde aan gevoel en emotie in zijn schilderijen.

Joep Gierveld

Joep Gierveld
Geluk in talloze kleuren aan ‘t Wierdenseveld
JoepGierveld. Kruidenierszoon, reclameman, ondernemer en schilder.

Een groot doek staat in zijn atelier, met nog heel veel andere. Vele daarvan zijn zouden het prachtig doen in ieder willekeurig modern interieur. Uitbundig kleurgebruik, flinke formaten en met ruime aandacht voor het portret in alle mogelijke soorten licht. Paarse toetsen in een gezicht te zetten, of soms ineens, zomaar aan wat abstracts te werken. En altijd zoekt hij het verhaal op. Zelfs als hij iets abstracts heeft gemaakt, bedenkt hij er nog een verhaal bij. De zwarte vlek die eigenlijk een brug is, een verbinding vormt. Zijn verbeeldingskracht overbrugt speels de openingen die de werkelijkheid in zijn doeken laat vallen.

Gierveld, komt nog elke donderdag naar Almelo om het modeltekenen te oefenen. Soms gaat hij met z’n clubje lekker het veld in, dat aan zijn achterdeur begint. Zittend in de woonkamer, met vrij zicht op de kudde schapen van het Wierdenseveld, en omringd door de mooie dingen de levens, zegt hij geen enkele zin te hebben de huidige vulling van zijn leven te veranderen. Schilderen blijft hij doen, het is een indringende manier van kijken naar de buitenwereld. Met de penseel als derde oog en verbazing als richtinggevend gemoed. Daar, aan de groene buffer met de hectische wereld ordent Gierveld zijn gedachten, maakt hij puzzelstukjes en schuift hij in zijn atelier net zo lang, tot ze op hun plaats vallen. Geluk in talloze kleuren, aan het Wierdenseveld.

Jan Gierveld

Jan Gierveld (1935-2005)

Op de zeer jeugdige leeftijd van 14 jaar volgde deze talentvolle kunstenaar uit Wierden de Academie voor Kunst en Industrie (AKI) in Enschede.

Het oeuvre van Jan Gierveld bestaat doorgaans uit vijf genres, t.w.: landschappen, portretten, naakten, stillevens en abstracte werken.
Ondanks deze traditionele genres wist Gierveld er een eigentijdse en moderne richting aan te geven.
Zijn werk is herkenbaar aan de volle orchestratie van kleuren, zwaar van materie, breed van toets.
Jan Gierveld was een schilder pur sang. Ingetogen, discreet, een harde werker en vasthoudend aan oude waarden. Uitgangspunt van zijn werk bleef steeds de waarneming. Gierveld wilde de werkelijkheid niet afbeelden, maar herscheppen.
Basisinvloeden van Franse Impressionisten, zijn leermeester Haanstra, expressionistische kunstenaars als Chaïm Soutine en Paul Cézanne en het kleurgebruik van Jan Sluijters maakte zijn werk uitzonderlijk en van zeer hoog niveau.
Gierveld is op 70 jarige leeftijd overleden. Met zijn tijdloze oeuvre van museale waarde als nalatenschap zal Jan blijven voortleven.

Wouter van der Sar

Wouter van der Sar

“Landschapsfotografie draait voor mij om het creëren van impressionistische beelden waarin realiteit ondergeschikt is aan de verbeelding. Door met gevoel het denken aan te sturen is er geen zoektocht naar schoonheid, maar ontstaat er een beleving, iets wonderlijks. Schoonheid en verwondering zijn mijn thema’s, het landschap de constante en de camera is een middel om dit alles weer te geven.
Daarnaast maak ik veel gebruik van selectieve scherpte en selectieve onscherpte als een manier om de informatie in een foto te doseren of juist om vragen op te roepen. Het uitgebalanceerde en vriendelijke kleurenpallet zorgt voor een positieve toevoeging aan een gevoelig en rustgevend beeld van een oerconstante”

Joel Lammerink

Joel Lammerink, 1940

Joel heeft de opleiding aan de Aki als dessinateur genoten, ontwerper voor stoffen. Hij heeft veel getekend en schilderde in zijn vrije tijd.
Samen met zijn vrouw heeft hij de dansschool van zijn ouders overgenomen.
Nu is hij weer volop aan het schilderen. Joel reisde over de hele wereld waar hij zijn inspiratie opdoet. Zijn schilderijen waren eerst symbolisch en later toen hij zich vrijer voelde ging hij over naar abstractie. Zijn kracht en houvast is kleur, het licht en de ruige schoonheid.

Ik wil graag dat alles in elkaar overgaat. De kleuren en de vormen:
Dat het een eenheid wordt en als vanzelf een centrum oplevert.
Uit mijn eigen intuïtie ontstaat iets wat zich daarna aan mij openbaart,
Ik zou de onderkant van het gelijk willen halen.
Uit het niets doemt iets op: dat is wat ik wil: het dan tevoorschijn toveren:
daar werk ik aan, dat voel ik als mijn opgave.

Maria van der Meer

Maria van der Meer (1948) heeft van het ‘vrij schilderen’ haar levenswerk gemaakt, hierbij vindt zij het belangrijk dat de kunstenaar zich laat leiden door intuïtie. Techniek heeft Maria al op jonge leeftijd aangereikt gekregen door haar oom die docent was op de kunstacademie in den Haag en Amsterdam.

De ontwikkeling van Maria van der Meer is de afgelopen jaren in een stroomversnelling gekomen, na een uitgebreide basis in verschillende artistieke vormen te hebben gelegd, heeft zij zich op een autodidactische wijze ontwikkeld. Dit is een continue proces, waarbij Maria steeds weer nieuwe kleuren, elementen en ervaringen laat samen komen en laat resulteren in de meest uiteenlopende werken. Zij laat zich inspireren door het leven zelf.

De portfolio van Maria kan worden omschreven als breed en diep, waarbij opvalt dat iedere fase die zij heeft ondergaan een aantal gerelateerde werken heeft voorgebracht. Die relatie is soms zeer duidelijk, maar andere keren ook weer in mindere mate te herkennen, en kan in bijvoorbeeld kleurstelling en/of vormgeving tot uitdrukking komen.
Meer nog zit de herkenning in de eigenzinnige en voor Maria typerende wijze van schilderen, die in de diversiteit van het haar werk valt te zien.